2018-appel-candidature-stuttgart
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A venir
Adelaïde Feriot
Carbone
Publié dans Archives des expositions, exposition 2020
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Marc Nagtzaam, Borrowed Space
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Azahara Cerezo
Résidence & présentation
Homepage to labour
Jeudi 21 novembre de 12h à 18h. En présence de l’artiste.
22. – 29.11.2019.
du mercredi au samedi de 14h à 18h.
En partenariat avec Homesession, Barcelone.
Avec le soutien de la Région Auvergne-Rhône-Alpes et de l’Institut Ramon Llull.
Homepage to labour, 2019. 24 impressions laser, dimensions variables.
Edition Homepage to labour, 24 p., 21 x 14,8 cm, n/b. Photos Azahara Cerezo.
En 1942, sous l’occupation allemande, la sculpture en bronze réalisée par Charles Théodore Perron a été retirée de l’espace public en tant que monument commémorant le travail. Comme tant d’autres monuments sur le territoire français, plus d’un millier entre 1940 et 1945, elle a été conçue pour utiliser les matériaux de divers types d’industries, en particulier la guerre. De cette sculpture reste un socle vide avec l’inscription « Hommage au travail », qui se trouve aujourd’hui sur une place d’Ivry sur Seine, aux portes de Paris. Le piédestal exerce une sorte d’inversion entre signification et signifiant, signalant sans cesse un monument au travail absent. Prenant cette faille sculpturale comme point de départ, je demande à plusieurs professionnels s’ils peuvent faire un croquis pour restituer ce monument. Les propositions de sculptures sont confiées à des designers 3D qui offrent leurs services sur une plate-forme virtuelle pour les freelances du monde entier, basée sur un flux continu de travaux immatériels sous des paramètres de délocalisation, de compétitivité et d’immédiateté.
« Homepage to labour », qui joue dans son titre avec la similitude entre les mots « hommage » et « homepage », est une œuvre conçue pour être montrée au mur et également lue ou vue comme une publication, dans un geste inachevé qui en permette l’exposition, mais aussi son éventuelle extension. Elle s’articule autour de la compilation de ces esquisses sculptées numériquement et de l’utilisation des conversations qui configurent la commande.
La conversation se compose d’extraits de différents échanges, construisant un certain fil narratif en même temps qu’il est fragmenté, faisant allusion à des espaces que nous ne voyons pas à travers l’écran et à des temps interstitiels qui interrompent et révèlent un travail continu au présent. De même, les images envahissent partiellement d’autres pages, tentant de faire allusion, dans l’ensemble, aux nouvelles géographies du travail dans un cadre de déterritorialisation et d’accélération des communications.
Azahara Cerezo, Homepage to Labour.
In 1942, under the German Occupation, the bronze sculpture made by Charles Théodore Perron was removed from public space as a monument to work. Like so many other sculptures throughout France, more than a thousand between 1940 and 1944, it was cast to use the material in various types of industry, especially warfare. From this sculpture remains an empty pedestal with the inscription « Hommage au travail », which is today in a square of Ivry sur Seine, at the gates of Paris.
The pedestal exercises a sort of inversion between meaning and signifier, constantly pointing to an absent monument to work . Taking this lack of sculpture as a starting point, I ask several professionals if they can make a sketch to somehow restore this monument. Sculpture proposals are entrusted to 3D designers who offer their services on a virtual platform for freelancers from all over the world, which is based on a continuous flow of immaterial work under parameters of delocalisation, competition and immediacy.
« Homepage to labour », which takes in its title the similarity between the words « homage » and « homepage », is a piece conceived to be shown on a wall and also read or seen as a publication, in an unfinished gesture that allows its exhibition, but also its possible extension. It is articulated around the compilation of these digitally sculpted sketches and the use of the conversations that configure the commissioning. The conversation is composed by extracts from different conversations, constructing a certain narrative thread, at the same time as it is fragmented alluding to spaces that we do not see through the screen and to interstitial times that interrupt and reveal a continuous working present. In the same way, the images partially invade other pages, trying to allude, overall, to the new geographies of the work within the frame of deterritorialization and accelerated communications.
Azahara Cerezo (Gérone, 1988). Vit et travaille entre Paris et Gérone.
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Maximilian Bauer
Résidence & Exposition
Larissa
19.09. – 09.11.19.
du mercredi au samedi de 14h à 18h.
Larissa, installation, 2019. [Instruments, cartes, plexiglas colorés, supports en métal / Poster, impression offset, format A3, Plane, impression offset, format A3 / lignes au mur, acrylique]. Photos Phoebé Meyer.
L’artiste a bénéficié du programme d’échanges destiné à des artistes plasticiens entre la Région Auvergne-Rhône-Alpes et le Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg, coordonné par art3 en partenariat avec l’Institut français de Stuttgart.
Maximilian Bauer, a d’abord étudié la musicologie et la philosophie à Tübingen, puis à Berlin avec Hanns Schimansky et Katharina Grosse. Aux États-Unis, l’artiste a acquis une expérience en enseignement au département de sculpture de l’Université de Syracuse.
Bauer a également travaillé comme commissaire d’exposition : en 2014, il a organisé l’exposition «Choses que j’ai apprises de ma vie» à la Weissensee Art Academy de Berlin.
L’artiste travaille avec différents médias comme les installations, les performances et la sculpture. Il développe des dispositifs qui permettent d’explorer diverses relations entre les échelles, la qualité de certains matériaux comme le béton. Les processus de communication sont au coeur de la série d’événements intitulée «L’art perdu de la conversation», que Bauer a organisé en 2016 au Künstlerhaus Stuttgart.
L’exposition Larissa à art3 rassemble différents objets et images. Tu travailles depuis plusieurs années avec des cartes que tu crées à partir d’images trouvées, sélectionnées sur Internet, faites avec ton smartphone. Tu stockes les cartes dans des boîtes.
Comment présenterais-tu la relation entre les cartes et l’espace d’exposition ?Les cartes avec lesquelles je travaille depuis quelques années ont toujours la même taille, et si vous les mettez les unes à côté des autres, elles construisent leur propre grille, elles créent des couches d’images. Lors d’expositions précédentes, j’utilisais les cartes pour établir une communication avec le public. Les cartes activaient les visiteurs dans une situation quelque peu performative.
A art3, je ne voulais pas utiliser les cartes comme ça, et j’ai cherché un moyen de les présenter sans que je sois présent. Au cours de mes trois mois de résidence à art3, j’ai découvert l’espace d’exposition, j’y ai passé du temps et réfléchi à la manière dont les cartes pouvaient être présentées. Dans cet espace blanc avec une grille forte au sol et une acoustique avec beaucoup de réverbération.
J’aurais pu mettre les cartes au mur, ce qui en aurait fait des images dans une exposition, mais ce n’est pas ce qu’elles sont. J’ai toujours eu en tête, que je voulais les faire flotter dans l’espace, en m’appuyant juste sur une mince ligne. Et elles avaient besoin d’une caisse, où elles puissent être présentées.
Comment présenterais-tu la relation entre les cartes et l’espace d’exposition ?Les cartes avec lesquelles je travaille depuis quelques années ont toujours la même taille, et si vous les mettez les unes à côté des autres, elles construisent leur propre grille, elles créent des couches d’images. Lors d’expositions précédentes, j’utilisais les cartes pour établir une communication avec le public. Les cartes activaient les visiteurs dans une situation quelque peu performative.
A art3, je ne voulais pas utiliser les cartes comme ça, et j’ai cherché un moyen de les présenter sans que je sois présent. Au cours de mes trois mois de résidence à art3, j’ai découvert l’espace d’exposition, j’y ai passé du temps et réfléchi à la manière dont les cartes pouvaient être présentées. Dans cet espace blanc avec une grille forte au sol et une acoustique avec beaucoup de réverbération.
J’aurais pu mettre les cartes au mur, ce qui en aurait fait des images dans une exposition, mais ce n’est pas ce qu’elles sont. J’ai toujours eu en tête, que je voulais les faire flotter dans l’espace, en m’appuyant juste sur une mince ligne. Et elles avaient besoin d’une caisse, où elles puissent être présentées.
L’acoustique de l’espace d’exposition m’a probablement
amené à relier l’idée de la ligne et de la boîte à un instrument. La ligne en tant que corde et la boîte en tant que corps de l’instrument.Dans l’exposition, tu présentes deux affiches, celle d’une
grille et celle d’un avion, que les visiteurs peuvent emporter. Comment ces deux affiches entrent en résonance avec les objets ?
Comme la ligne est une corde qui peut émettre des tonalités libres. La grille aux quatre couleurs produit un son visuel. L’autre poster représente un cyanotype déplié sur une surface plane.
C’est relier le sentiment de liberté et voler dans le ciel bleu. Comme la liberté d’un son que nous pouvons expérimenter.
C’est une chanson pour Larissa, qui ne devrait pas seulement être entendue dans l’espace d’exposition. Tout le monde peut prendre l’idée, pas seulement comme une pensée, mais comme un acte, une action.
Le poster déplié peut être emporté. Peut s’envoler à nouveau.
Entretien entre Maximilian Bauer et art3, septembre 2019.
amené à relier l’idée de la ligne et de la boîte à un instrument. La ligne en tant que corde et la boîte en tant que corps de l’instrument.Dans l’exposition, tu présentes deux affiches, celle d’une
grille et celle d’un avion, que les visiteurs peuvent emporter. Comment ces deux affiches entrent en résonance avec les objets ?
Comme la ligne est une corde qui peut émettre des tonalités libres. La grille aux quatre couleurs produit un son visuel. L’autre poster représente un cyanotype déplié sur une surface plane.
C’est relier le sentiment de liberté et voler dans le ciel bleu. Comme la liberté d’un son que nous pouvons expérimenter.
C’est une chanson pour Larissa, qui ne devrait pas seulement être entendue dans l’espace d’exposition. Tout le monde peut prendre l’idée, pas seulement comme une pensée, mais comme un acte, une action.
Le poster déplié peut être emporté. Peut s’envoler à nouveau.
Entretien entre Maximilian Bauer et art3, septembre 2019.
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Résidences Azahara Cerezo|Thierry Liégeois
Résidence croisée art3 | Homesession
Octobre | Novembre Azahara Cerezo est en résidence à art3.
Novembre | Décembre Thierry Liégeois séjourne à Barcelone.
Avec le soutien de la Région Auvergne-Rhône-Alpes et de l’Institut Ramon Llull.
Azahara Cerezo, Y en ese claroscuro surgen los monstruos, 2019.
Azahara Cerezo (Gérone, 1988). Vit et travaille entre Paris et Gérone. Elle a été résidente à la Villa Belleville, Paris, au Collège d’Espagne, Paris, à la Casa de Velázquez à Madrid, (en échange avec Hangar, Barcelone), à Hangar (Barcelone) et à 1646 (La Haye, Pays-Bas), entre autres. Son travail a été présenté individuellement récemment au MAL (Séville) sous le titre « Et dans ce clair-obscur surgissent des monstres ».
Elle a participé à des expositions collectives telles que « Un món paral·lel », Santa Mònica (Barcelone), « Nous sommes comme des dieux … » à Nieuwe Vide (Haarlem, Pays-Bas), « Province 53 » à MUSAC (León) et CDAN (Huesca), « Intervalo » à la Casa Hoffmann (Bogotá, Colombie) ou « Especies de Espacios » à MACBA (Barcelone).
Thierry Liégeois, Elektrische Hel, 2018., 2018.
Thierry Liegeois est né en 1983 à Montbéliard. Il travaillera d’abord comme programmeur et opérateur sur machine-outils avant de reprendre des études à l’ENSBA Lyon où il obtiendra le DNSEP en 2010.
Après avoir exposé dans les Modules du Palais de Tokyo en 2012 et participé au dispositif Galeries Nomades de l’IAC la même année.
Après avoir exposé dans les Modules du Palais de Tokyo en 2012 et participé au dispositif Galeries Nomades de l’IAC la même année.
Liegeois expose son travail à Brussels en 2013 invité par Or Nothing, à Beijing au Lab 47 puis au Unicorn Center For Art en 2016, à la fondation Renaud en focus de la Biennale de Lyon ainsi qu’à Montbéliard au centre d’art le 19 en 2017.
Il participe à diverses expositions collectives dont Machination(s) à la galerie Eric Mouchet, Paris, Les Hommes de la Mancha à la galerie Double V, Marseille, ou Jörmungandr Hybraxxx au Wonder/Liebert, Bagnolet.
Il participe à diverses expositions collectives dont Machination(s) à la galerie Eric Mouchet, Paris, Les Hommes de la Mancha à la galerie Double V, Marseille, ou Jörmungandr Hybraxxx au Wonder/Liebert, Bagnolet.
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Appel à candidature Stuttgart
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Marc Nagtzaam
exposition
Regular Features
24.05. – 27.07. 2019 | Entrée libre du mercredi au samedi de 14h à 18h.
A cette occasion, nous présentons l’édition Regular Features, éd. Roma Publications Amsterdam, numérotée et signée. 45€
Pour cette exposition, art3 a reçu le soutien de l’Ambassade du Royaume des Pays-Bas.
Borrowed Space, 2017-19. Graphite on paper, glass. Series of 24 drawings. 64 x 46 cm each. Photo Phoebé Meyer.
Zeichnungen, 2015. Unique Rizo print, glass. 43 x 27 cm. Zeichnungen, 2015. Unique Rizo print, glass. 43 x 27 cm. Zeichnungen, 2015. Unique Rizo print, glass. 43 x 27 cm. Photo Phoebé Meyer.
The Construction of Situations, 2019. Graphite on paper. 55,5 x 42 cm. A Combination of Problems, 2019. Graphite on paper. 55,5 x 42 cm. Borrowed Space / The Studio, 2018. Photo print. 29 x 21 cm. Photo Phoebé Meyer.
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Entretien entre Marc Nagtzaam et art3, mai 2019.
Regular Features est à la fois une exposition et une publication. Même titre, mais le contenu est différent. Pouvez-vous nous dire comment vous avez pensé les deux ensembles ?
Pour le livre comme pour l’exposition, j’ai travaillé avec des éléments déjà existants : des fragments de textes que j’ai collectés dans des magazines et des formes que j’ai pris dans des couvertures de livres, d’affiches, etc. Ce sont des éléments récurrents dans mon travail, une sorte d’archive que je retrouve sans cesse, à partir de laquelle je fais différentes sélections pour chaque nouveau projet. Le livre contient toutes sortes de descriptions et d’idées pour des dessins, des installations et des livres non encore réalisés, ainsi que leurs titres, tandis que la collection de motifs ressemble à des blocs de construction pour de nouveaux dessins ou pour des pages d’une publication.
Dans vos dessins, nous remarquons une grande concentration, un processus entre le contrôle et le hasard, la pensée et l’émotion. Pouvez-vous nous parler de ce contraste ? Quel est votre projet ?
La plupart des décisions que je prends avant de commencer à travailler sur un dessin : le resserrement, un système que j’utilise pour créer les images, alors qu’en même temps de petits changements se produisent au cours du processus. C’est une façon d’incorporer des éléments contrastés à égalité dans les dessins, ce qui est important, à mon avis. Créer une impression d’espace ouvert où rien n’est figé et où il n’est même pas important de savoir qu’elle est l’intention ou la signification de l’oeuvre. Le monolithe de «2001, l’Odyssée de l’espace» est toujours une référence inspirante.
Marc Nagtzaam est né à Helmond, en 1968. Il vit et travaille au Pays-Bas.
http://www.marcnagtzaam.info/
Il est représenté par les galeries ProjecteSD Barcelone, Barbara Seiler Galerie, Zurich.
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Actualités
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art3 | Programme de résidences 2019
Appel à candidature
Résidence croisée art3 | Homesession Barcelone.
2019-Appel-candidature-barcelone
Résidence art3 | Lisa Schlenker
L’artiste allemande est en résidence à art3 d’avril à juin.
https://lisaschlenker.wordpress.com/
La résidence est soutenue par la région Auvergne-Rhône-alpes,
et land du Bade-Wurtemberg. En partenariat avec l’Institut Français de Stuttgart.
Publié dans Archives des expositions, exposition 2019
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Luke James
exposition
L’ombre et son oiseau.
Texte de François Aubart.
08.02. – 06.04. 2019 | Entrée libre du mercredi au samedi de 14h à 18h.
Vues de l’exposition, art3. La nuit je mens, 2019. Plomb, pomme d’amour.
Home Sweet Home, 2019. Tomettes, cartes. Dimensions variables. L’ombre et son oiseau, 2012. Tirage numérique sur papier mat. 40 x 29,7 cm. Photos Phoebe Meyer.
Luke James, L’ombre et son oiseau à art3.
Dès la porte d’art3 franchie, on aperçoit une plaque de plomb accrochée au plafond. Sa partie inférieure, à 70 centimètres du sol, est découpée pour figurer une main. . Pliée horizontalement, de façon à tenir une pomme d’amour, ses doigts se referment sur la confiserie. Ce fruit restera là pendant toute la durée de l’exposition, sans subir les affres du temps. Cristallisé dans un enrobage de sucre, il est également protégé du plomb dont est fait la sculpture sur laquelle il est posé. Cette main toxique présente un autre danger, ses doigts semblent pouvoir broyer le fruit, en le serrant davantage.
Cette offrande d’une pomme rouge vif rappelle évidemment le geste malveillant d’une célèbre sorcière, mais elle évoque aussi simultanément l’excitation et les dangers du contact. Celui du sucre avec la pomme qui rend celle-ci désirable et la protège, celui du fruit avec une main qui le présente, l’abrite et le protège mais qui pourrait l’intoxiquer ou l’écraser.
L’ombre et son oiseau, titre de cette exposition de Luke James, est aussi celui d’une de ses photographies. Elle représente une ombre au sol. Ce qui la produit est hors-champ, absent de l’image. La forme de cette ombre évoque celle d’un oiseau en vol. Bien que tous les objet et tous les êtres produisent une ombre, les formes de ces traces peuvent faire penser à autre chose que leurs causes factuelles.
Pour réaliser Le chat et la souris, Luke James a moulé en céramique deux paires de pieds humains. Ces empreintes sont installées dans les trois marches qui mènent du vestibule à l’espace d’exposition d’art3. Certaines, placées sur les parties horizontales des marches, évoquent les traces laissées par une personne qui les aurait descendues. Les autres suggèrent une ascension et sont fixées sur les parties verticales des marches.
Cet agencement met en scène les empreintes de deux personnes se déplaçant dans des directions opposées. Là encore des traces activent l’imagination, celles de déplacements extraordinaires, mais également celles d’une rencontre entre deux protagonistes. Luke James a recouvert les plaques de céramique blanche du sol d’art3 par des tomettes hexagonales, prélevées dans le cadre d’une maison familiale. À un espace, et à son allure reconnaissable, est superposé un autre, dont l’histoire est connue de l’artiste qui sait surement pourquoi certaines des tomettes sont brûlées. Pour nous, elles ne portent que des traces dont les causes restent mystérieuses, illisibles.
Dans l’espace entre deux tomettes, Luke James a inséré deux cartes, une dame de pique et un valet de cœur, la face de chacune tournée vers l’extérieur. Serrées l’une contre l’autre, elles aussi sont en contact, se frôlent et se rencontrent. Finalement, cette main qui nous accueille à l’entrée de l’exposition, n’est pas le signe d’une revendication d’un travail manuel ou artisanal mais l’expression de ce que cet organe permet (tenir, serrer, toucher, entre autres) et des sensations que ces actions produisent. En effet, les pièces exposés par Luke James à art3 sont produites par, ou évoquent le contact. Il s’agit pour l’artiste d’en explorer les différents registres, du recouvrement au frôlement en passant par l’étreinte et l’enlacement, autant que les gammes de leurs effets, de la douceur à la violence.
François Aubart.
Luke James, né en 1990 à Dijon, vit et travaille entre Paris et Bruxelles.
Formation
2018
Programme de recherche, Center of Contemporary Art, CCA Kitakyushu, Japon
2015
Master, ENSBA, Lyon
Vues de l’exposition, art3. Le chat et la souris, 2019. Céramique. Home Sweet Home, 2019. Tomettes, cartes. Dimensions variables. L’ombre et son oiseau, 2012. Tirage numérique sur papier mat.
Home Sweet Home, 2019. Tomettes, cartes. Dimensions variables.
Home Sweet Home, 2019. Tomettes, cartes. Dimensions variables. L’ombre et son oiseau, 2012. Tirage numérique sur papier mat. Photos Poebe Meyer.
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Editions d’artistes 1-3 mars, Arles
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Actualités
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Book Launch | Buchpräsentation
Photos Lukas Langguth.
Lisa Mühleisen, The Abstract Of Random Seriousness – Livre d’artiste
25 janvier 2019, 19 – 21 h, Parrotta Contemporary Art, Cologne.
“The Abstract of Random Seriousness” works as a junction between all the published
booklets of Lisa Mühleisen’s “The Shape Of Things to Come” series thus far. By abandoning the separated form of booklets, all chapters become more potent because they comment on and complement each other. This ADHD (attention deficit hyperactivity disorder) notation is a new approach to the essence of Lisa Mühleisen’s artistic agenda.
1st edition of 400 copies /1. Auflage von 400 Exemplaren ISBN: 978-2-912342-56-0
10 € Softcover, folded and embossed, 144 p. , thread-stiched
colored edge in PANTONE 18-3838 Ultra Violet, PANTONE® Color of the Year 2018
metallic and fluorescent colored stickers, shrink-wrapped.
booklets of Lisa Mühleisen’s “The Shape Of Things to Come” series thus far. By abandoning the separated form of booklets, all chapters become more potent because they comment on and complement each other. This ADHD (attention deficit hyperactivity disorder) notation is a new approach to the essence of Lisa Mühleisen’s artistic agenda.
1st edition of 400 copies /1. Auflage von 400 Exemplaren ISBN: 978-2-912342-56-0
10 € Softcover, folded and embossed, 144 p. , thread-stiched
colored edge in PANTONE 18-3838 Ultra Violet, PANTONE® Color of the Year 2018
metallic and fluorescent colored stickers, shrink-wrapped.
The book is the result of Lisa Mühleisen’s stay at art3 in 2016 as part of the exchange program for visual artists between the region Auvergne-Rhône-Alpes in France and the state of Baden-Württemberg in Germany. The program is collaboratively organized by art3 and Institut français Stuttgart.
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Joan Pallé
résidence & exposition
A magnificent place to live, work, or commit suicide.
17.11 – 1.12.2018.
du mercredi au samedi de 14h à 18h.
La résidence croisée art3 | Homesession Barcelone
bénéficie du soutien de la Région Auvergne-Rhône-Alpes et de la Generalitat de Catalunya.
En partenariat avec l’ÉSAD •Grenoble •Valence
A magnificent place to live, work, or commit suicide, est une phrase extraite du livre «The lettres of Malcolm Lowry and Gerald Noxon, 1940-1952», qui regroupe des lettres que l’écrivain Malcom Lowry envoya à son éditeur Gerald Noxon. Dans la lettre, Malcolm invite son ami à lui rendre visite dans la cabane en ruine dans laquelle l’auteur vivait isolé au Canada.
L’exposition présente un regard sur l’espace naturel comme un lieu de la marge. Elle combine deux mondes complètement distincts et étrangement liés sur certains points.
D’une part, elle explore la figure de l’écrivain, et/ou du penseur isolé dans une cabane perdue en pleine nature. Parmi eux, citons H.D.Thoreau qui écrivit «Walden, or, Life in the Woods»1 , Unabomber 2 et son manifeste, «Industrial Society and Its Future»3, Virginia Wolf, qui a passé du temps à écrire dans un cottage aux Royaume-Unis ou l’architecte Le Corbusier, qui, après avoir construit des bâtiments gigantesques à travers le monde et plusieurs projets de logements macro-utopiques s’est retiré pour construire un cabanon.
L’exposition présente un regard sur l’espace naturel comme un lieu de la marge. Elle combine deux mondes complètement distincts et étrangement liés sur certains points.
D’une part, elle explore la figure de l’écrivain, et/ou du penseur isolé dans une cabane perdue en pleine nature. Parmi eux, citons H.D.Thoreau qui écrivit «Walden, or, Life in the Woods»1 , Unabomber 2 et son manifeste, «Industrial Society and Its Future»3, Virginia Wolf, qui a passé du temps à écrire dans un cottage aux Royaume-Unis ou l’architecte Le Corbusier, qui, après avoir construit des bâtiments gigantesques à travers le monde et plusieurs projets de logements macro-utopiques s’est retiré pour construire un cabanon.
D’autre part, l’exposition s’attache aux collectifs autogérés qui organisent des soirées techno illégales dans des espaces naturels. Ces fêtes attestent d’une intensité entre des forces créatrices et des comportement dangereusement autodestructeurs à travers l’usage de drogues dures.
Le projet met en lien ces deux univers, l’espace naturel est présenté comme un déni de civilisation. L’exercice consistant à s’éloigner des villes est revendiqué comme un acte de négativité. Alors que les «ravers» nient la société, ils diffusent leur musique répétitive et violente, Thoreau et Unabomber écrivent des textes attaquant les fondements des sociétés dans lesquelles ils se sont sentis isolés et Le Corbusier renonce à son rêve utopique de la «machine à habiter» pour se retirer cyniquement dans la solitude d’une cabane qu’il s’est construite.
Le projet met en lien ces deux univers, l’espace naturel est présenté comme un déni de civilisation. L’exercice consistant à s’éloigner des villes est revendiqué comme un acte de négativité. Alors que les «ravers» nient la société, ils diffusent leur musique répétitive et violente, Thoreau et Unabomber écrivent des textes attaquant les fondements des sociétés dans lesquelles ils se sont sentis isolés et Le Corbusier renonce à son rêve utopique de la «machine à habiter» pour se retirer cyniquement dans la solitude d’une cabane qu’il s’est construite.
1 H.D.Thoreau, «Walden, ou la vie dans les bois», 1854.
2 Theodore Kaczynski, (né en 1942 à Chicago), alias Unabomber, mathématicien de formation et auteur de plusieurs manifestes contre le progrès technologique, a tué une dizaine de personnes en leur envoyant des colis piégés.
3 «La Société industrielle et son avenir», 1995
2 Theodore Kaczynski, (né en 1942 à Chicago), alias Unabomber, mathématicien de formation et auteur de plusieurs manifestes contre le progrès technologique, a tué une dizaine de personnes en leur envoyant des colis piégés.
3 «La Société industrielle et son avenir», 1995
Vue de A magnificent place to live, work, or commit a suicide, 2018.
Christmas Tree, ecstasy pill, 2018, Polystyrène, résine et fibre de verre,
220 x 80 cm x 23 cm.
A magnificent place to live, work, or commit a suicide, 2018, maquette en bois,
et flammes, 140 x 37 x 39 cm.
Rave New World, 2018 ; Impressions laser sur papier, dimensions variables.
220 x 80 cm x 23 cm.
A magnificent place to live, work, or commit a suicide, 2018, maquette en bois,
et flammes, 140 x 37 x 39 cm.
Rave New World, 2018 ; Impressions laser sur papier, dimensions variables.
Thoreau’s cabin, maquette en bois, 26 x 16 x 28 cm. Le Corbusier’s cabin, maquette en bois,
19 x 24,5 x 23 cm.
Kaczynski’s cabin, maquette en bois, 26,5 x 20 x 24 cm. Woolf’s cabin, maquette en bois,
Kaczynski’s cabin, maquette en bois, 26,5 x 20 x 24 cm. Woolf’s cabin, maquette en bois,
23,5 x 21 x 30 cm.
Joan Pallé, né à Lleida en 1989, vit et travaille à Barcelone.
http://www.joanpalle.com/
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Actualités
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Robert Steng
Exposition
Le centaure d’or
20.09. – 03.11.18.
du mercredi au samedi de 14h à 18h.
A l’occasion de ton exposition à art3, tu as réuni des oeuvres sous le titre Le centaure d’or, en allemand Der goldene Zentaur. peux-tu nous présenter ton projet ?
Der goldene Zentaur est le titre d’une chanson écrite par André Möhl un des membres de mon groupe. C’est une critique du néolibéralisme et de l’architecture inhumaine. Je souhaitais que le texte de la chanson soit présenté. J’ai demandé à mon fils Nico d’écrire le texte à l’envers, comme dans un miroir, sur une feuille de papier.
Je fais référence ici à Léonard de Vinci et à ses notes de ses célèbres Sketches, qui sont également en lettres miroir, pour rendre difficile le vol de ses idées.
Le travail Cube présenté à art3 est basé sur un dessin de de Vinci, une illustration extraite d’un livre célèbre de mathématique de la Renaissance. Ces illustrations sont une illusion de l’espace tridimensionnel. Ce que je souhaite, c’est que la réalité du matériau, le bois, se ressente comme une illusion. Je veux repenser le matériau et la perspective.
Der goldene Zentaur est le titre d’une chanson écrite par André Möhl un des membres de mon groupe. C’est une critique du néolibéralisme et de l’architecture inhumaine. Je souhaitais que le texte de la chanson soit présenté. J’ai demandé à mon fils Nico d’écrire le texte à l’envers, comme dans un miroir, sur une feuille de papier.
Je fais référence ici à Léonard de Vinci et à ses notes de ses célèbres Sketches, qui sont également en lettres miroir, pour rendre difficile le vol de ses idées.
Le travail Cube présenté à art3 est basé sur un dessin de de Vinci, une illustration extraite d’un livre célèbre de mathématique de la Renaissance. Ces illustrations sont une illusion de l’espace tridimensionnel. Ce que je souhaite, c’est que la réalité du matériau, le bois, se ressente comme une illusion. Je veux repenser le matériau et la perspective.
Le cube est une forme qui appartient à l’histoire de l’art, ici je fais référence à l’art Minimal. Tu as également ajouté une pièce musicale.
La représentation du cube et autres «corps géométriques» passe par l’histoire entière de l’art et de la science, de Platon à de Vinci et Dürer jusqu’aux artistes de l’art Minimal comme Judd ou LeWitt. La chose intéressante est que cela a un aspect cosmologique, reliant les mathématiques, l’art, la musique et beaucoup d’autres domaines. C’est presque magique ! C’est pourquoi j’utilise le paradoxe et les «corps impossibles».
Je travaille aussi dans deux types de directions : le cube est l’espace statique, le cercle et la boucle se déplacent et représentent le temps et le changement.
C’est pourquoi j’ai utilisé le son. Vous entendez une courte séquence des Nocturnes de Chopin, jouée en boucle inversée.
La musique est un art basé sur le temps, mais le bois évolue toujours dans le processus de croissance et de «recyclage».
La représentation du cube et autres «corps géométriques» passe par l’histoire entière de l’art et de la science, de Platon à de Vinci et Dürer jusqu’aux artistes de l’art Minimal comme Judd ou LeWitt. La chose intéressante est que cela a un aspect cosmologique, reliant les mathématiques, l’art, la musique et beaucoup d’autres domaines. C’est presque magique ! C’est pourquoi j’utilise le paradoxe et les «corps impossibles».
Je travaille aussi dans deux types de directions : le cube est l’espace statique, le cercle et la boucle se déplacent et représentent le temps et le changement.
C’est pourquoi j’ai utilisé le son. Vous entendez une courte séquence des Nocturnes de Chopin, jouée en boucle inversée.
La musique est un art basé sur le temps, mais le bois évolue toujours dans le processus de croissance et de «recyclage».
Robert Steng, né en 1972, vit et travaille à Stuttgart.
Vue de l’exposition Le centaure d’or de Robert Steng – Cube, (diverses essences de bois,
140 x 150 x 3 cm) ; Der Goldene Zentaur, (stylo sur papier) ; I am Lying, (diverses essences de bois, 50 x 50 x 2 cm) ; Larch Loop, (mélèze ,30 x 15 x 20 cm). Photos Philippe Petiot.
L’artiste a bénéficié du programme d’échanges destiné à des artistes plasticiens entre la Région Auvergne-Rhône-Alpes et le Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg, coordonné par art3 en partenariat avec l’Institut français de Stuttgart.
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Résidence à Stuttgart
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Camille Bondon, Le goût des rêves
(dector & dupuy & invités) résidence installation
Avec le soutien du département de la Drôme « résidence et création 2018 ».
Remerciements à l’ESAD •Grenoble •Valence
une plongée de vingt quatre heures
dans l’imaginaire de nos nuits
au réveil le matin
la voix encore embrumée de la nuit
des rêveurs nous ont raconté leurs rêves
pour une heure ou la nuit entière
venez écouter ces voix du réveil
vous racontant la poésie de leurs nuits
un projet de camille bondon et michel dupuy
en collaboration avec des amis rêveurs
et la complicité de mathilde segonds.
du 02 au 03 juin 2018 de midi à midi.
en live à art3 et au même moment
sur www.legoutdesreves.com par webradio.
Camille Bondon, le goût des rêves, 2-3 juin, art3.
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Laurent Lacotte, Cortège
(dector & dupuy & invités) résidence exposition du 12 au 30 mai 2018 du mercredi au samedi de 14h à 18h.
Avec le soutien du département de la Drôme « résidence et création 2018 ». 
A l’invitation d’art3, dector & dupuy assurent la programmation de ce début d’année. A la suite de premiers repérages, ils présentent du 22 mars au 5 avril, mosaïq, une pièce murale, sorte de négatif de la dégradation d’une décoration en mosaïque du boulevard du Général de Gaulle. Ils ont également souhaité ouvrir leur duo à plusieurs formes de collaborations : – lors du finissage de l’exposition le 5 avril, ils organisent une lecture avec Michel Dupuy, Derniers développements dans l’affaire Pouchain, et un concert qui présente une composition musicale utilisant l’installation mosaïq comme une partition avec Michel Dector, Yohann Picot et Claire Coste. – des envois réguliers d’images assurent une présence continue et suscitent des réactions sous forme de textes ou de photos. – Laurent Lacotte est invité à collaborer avec dector & dupuy : l’exposition Cortège, – Camille Bondon, Le goût des rêves les 2 et 3 juin de midi à midi en collaboration avec Michel Dupuy. – d’autres relations enfin se tissent avec une enseignante et des étudiants de l’Esad de Valence, avec un professeur de philosophie, etc…
Vue de l’exposition Cortège, art3. (pancartes, lumières stroboscopiques) – Photo Laurent Lacotte
—— Laurent Lacotte : Cortège
A l’invitation d’art3 et des artistes Michel Dector & Michel Dupuy, Laurent Lacotte propose avec Cortège une double expérience, à la fois dans la ville et dans l’espace d’exposition de art3.
Situé spatialement, le projet s’ancre également dans un temps particulier, marqué par une actualité sociale à laquelle l’artiste entend faire écho.L’artiste entreprend une épopée gigantesque et dérisoire : une manifestation solitaire dans la ville.
Originellement, le cortège translate sous la forme du cérémonial un événement d’ordre privé dans un cadre public : une procession accompagne à la ville les défunt•es, marié•es, communiant•es, de la cour domestique à l’espace collectif.
Le même phénomène prend ici une autre tournure : si Laurent Lacotte a collecté des slogans auprès d’artistes qu’il connaît comme auprès d’étudiant•e•s qu’il a rencontré•e•s cette année au sein des écoles d’art de Cherbourg, Beauvais ou Valence, ce bouche à oreille se prolonge par une pérégrination lors de laquelle l’artiste sera bel et bien seul. Un matériel de base – cartons, marqueurs noirs, tiges de bois – permet la réalisation des pancartes qui l’accompagnent au long de son cheminement urbain.Il s’inscrit ainsi, en quelque sorte à rebours, dans une histoire des manifestations orchestrées par des artistes.
Les avant-gardes du début du 20e siècle y ont tenu un rôle majeur, intriquant slogans politiques et recherches de nouvelles formes artistiques, à l’instar du « coin rouge » d’El Lissitzky ; plus près de nous, les Ateliers Populaires des Beaux-Arts, en produisant les affiches les plus marquantes de Mai 68, ont emprunté le même chemin.
Peu à peu, si la forme se conserve, elle n’affirme plus qu’une sorte d’impasse : les participants au défilé que Jean-Jacques Lebel organise en 1973 à Saõ Paolo brandissent des pancartes blanches dans un Brésil bâillonné par la dictature (Le blanc envahit la ville), ou réclament unanimement la fin de la réalité (Philippe Parreno, No more Reality II, 1991), tandis que ceux de Mircea Cantor tendent à la ville son miroir (The landscape is changing, 2003).
Se passant à l’occasion de mots, vidée de son altérité ou délaissant la cité, la contestation affirme un agir collectif incarné dans une foule assemblée par le dessein de l’artiste.
Celle réunie par Laurent Lacotte n’est que métonymique : il se fait, à lui seul, le porte-voix des paroles des autres, et donc de revendications qui ne sont pas les siennes – le protocole de carte blanche qu’il a choisi de mettre ici en œuvre l’oblige pourtant à les exprimer, fût-ce au prix d’une schizophrénie passagère. Laurent Lacotte parcourt aussi bien les bâtiments symbolisant l’autorité publique que des quartiers délaissés où son écho se perd. A chaque arrêt, les slogans inscrits sur la pancarte sont brandis à la face du monde. Ce cri d’un héraut annonçant une nouvelle qui n’en est pas une s’épuise dans le silence : dans ce monologue de sourd, Laurent Lacotte invite à une transformation sociale dont il n’est pas responsable et à laquelle personne ne répond.
Son cortège célibataire ébauche ainsi une ville découpée, morcelée, selon un dessin abstrait dont le sens commun n’est que cartographique. Si l’artiste arpente la ville, il ne s’agit plus d’y déceler des beautés cachées qu’on pourrait prélever et dont on pourrait faire comme un bouquet de fleurs sauvages : au contraire d’une poésie involontaire, Laurent Lacotte cherche à révéler des scissions qui ne disent plus leur nom mais qui relèvent d’une distribution organisée de l’espace public, d’une mise à distance méthodique entre la citoyenneté même et certaines populations.
Situé spatialement, le projet s’ancre également dans un temps particulier, marqué par une actualité sociale à laquelle l’artiste entend faire écho.L’artiste entreprend une épopée gigantesque et dérisoire : une manifestation solitaire dans la ville.
Originellement, le cortège translate sous la forme du cérémonial un événement d’ordre privé dans un cadre public : une procession accompagne à la ville les défunt•es, marié•es, communiant•es, de la cour domestique à l’espace collectif.
Le même phénomène prend ici une autre tournure : si Laurent Lacotte a collecté des slogans auprès d’artistes qu’il connaît comme auprès d’étudiant•e•s qu’il a rencontré•e•s cette année au sein des écoles d’art de Cherbourg, Beauvais ou Valence, ce bouche à oreille se prolonge par une pérégrination lors de laquelle l’artiste sera bel et bien seul. Un matériel de base – cartons, marqueurs noirs, tiges de bois – permet la réalisation des pancartes qui l’accompagnent au long de son cheminement urbain.Il s’inscrit ainsi, en quelque sorte à rebours, dans une histoire des manifestations orchestrées par des artistes.
Les avant-gardes du début du 20e siècle y ont tenu un rôle majeur, intriquant slogans politiques et recherches de nouvelles formes artistiques, à l’instar du « coin rouge » d’El Lissitzky ; plus près de nous, les Ateliers Populaires des Beaux-Arts, en produisant les affiches les plus marquantes de Mai 68, ont emprunté le même chemin.
Peu à peu, si la forme se conserve, elle n’affirme plus qu’une sorte d’impasse : les participants au défilé que Jean-Jacques Lebel organise en 1973 à Saõ Paolo brandissent des pancartes blanches dans un Brésil bâillonné par la dictature (Le blanc envahit la ville), ou réclament unanimement la fin de la réalité (Philippe Parreno, No more Reality II, 1991), tandis que ceux de Mircea Cantor tendent à la ville son miroir (The landscape is changing, 2003).
Se passant à l’occasion de mots, vidée de son altérité ou délaissant la cité, la contestation affirme un agir collectif incarné dans une foule assemblée par le dessein de l’artiste.
Celle réunie par Laurent Lacotte n’est que métonymique : il se fait, à lui seul, le porte-voix des paroles des autres, et donc de revendications qui ne sont pas les siennes – le protocole de carte blanche qu’il a choisi de mettre ici en œuvre l’oblige pourtant à les exprimer, fût-ce au prix d’une schizophrénie passagère. Laurent Lacotte parcourt aussi bien les bâtiments symbolisant l’autorité publique que des quartiers délaissés où son écho se perd. A chaque arrêt, les slogans inscrits sur la pancarte sont brandis à la face du monde. Ce cri d’un héraut annonçant une nouvelle qui n’en est pas une s’épuise dans le silence : dans ce monologue de sourd, Laurent Lacotte invite à une transformation sociale dont il n’est pas responsable et à laquelle personne ne répond.
Son cortège célibataire ébauche ainsi une ville découpée, morcelée, selon un dessin abstrait dont le sens commun n’est que cartographique. Si l’artiste arpente la ville, il ne s’agit plus d’y déceler des beautés cachées qu’on pourrait prélever et dont on pourrait faire comme un bouquet de fleurs sauvages : au contraire d’une poésie involontaire, Laurent Lacotte cherche à révéler des scissions qui ne disent plus leur nom mais qui relèvent d’une distribution organisée de l’espace public, d’une mise à distance méthodique entre la citoyenneté même et certaines populations.
La même logique l’anime lorsqu’il poursuit sa procession en rapportant les pancartes qui ont jalonné et justifié sa marche jusqu’au lieu où elles seront exposées.
Ces dernières ainsi que les mots qui y sont écrits, s’entassent alors au-dessus des flashs de lampes stroboscopiques : la réalité sociale, éprouvée par l’usage de la ville et par la maîtrise de l’espace, apparaît de façon parcellaire lors de la visite. Tout est là, et pourtant il n’est possible de voir que le haut du panier : ce heap of language ne dévoile que son sommet, comme dans un iceberg, le plus gros reste immergé. La mosaïque des urgences se dérobe au regard qui voudrait l’embrasser d’un seul coup d’œil. Il faudra, sur les pas de l’artiste, contourner un feu de camp de signes : ces slogans reconduisent un chœur, celui de la contestation éternelle des cadres. Ce qui est alors criant, à la place de l’artiste, ce sera sans doute que, dans un espace réservé à l’art, il ne reste de la ville que des fétiches : en revenant jusqu’à art3, le cortège embrasse finalement sa dimension symbolique par la transformation du verbe (les mots donnés par les participant•e•s) en un rituel (la procession dans la ville), puis du rituel en un talisman (les banderoles déposées dans l’espace d’exposition).
Jean-Christophe Arcos
Laurent Lacotte, né en 1981, vit et travaille à Paris. http://laurentlacotte.com/
Ces dernières ainsi que les mots qui y sont écrits, s’entassent alors au-dessus des flashs de lampes stroboscopiques : la réalité sociale, éprouvée par l’usage de la ville et par la maîtrise de l’espace, apparaît de façon parcellaire lors de la visite. Tout est là, et pourtant il n’est possible de voir que le haut du panier : ce heap of language ne dévoile que son sommet, comme dans un iceberg, le plus gros reste immergé. La mosaïque des urgences se dérobe au regard qui voudrait l’embrasser d’un seul coup d’œil. Il faudra, sur les pas de l’artiste, contourner un feu de camp de signes : ces slogans reconduisent un chœur, celui de la contestation éternelle des cadres. Ce qui est alors criant, à la place de l’artiste, ce sera sans doute que, dans un espace réservé à l’art, il ne reste de la ville que des fétiches : en revenant jusqu’à art3, le cortège embrasse finalement sa dimension symbolique par la transformation du verbe (les mots donnés par les participant•e•s) en un rituel (la procession dans la ville), puis du rituel en un talisman (les banderoles déposées dans l’espace d’exposition).
Jean-Christophe Arcos
Laurent Lacotte, né en 1981, vit et travaille à Paris. http://laurentlacotte.com/
Liste des contributrices et des contributeurs : Céline Ahond, Lotte Arndt, Alexandre Barré, Aziyadé Baudoin-Talec, Pierre Belouin, Anne-Sophie Bérard, Stéphane Bérard, Barthélemy Bette, Louise Boghossian, Camille Bondon, Marion Bonjour, Joseph Brécard, Pablo Cavero, Stéphane Chatry, Arnaud Cohen, Chloé Curci, Thomas Dalquié, Michel Dector, Regina Demina, Christophe Doucet, Demi-Tour de France, Damien Dion, Béatrice Duport, Michel Dupuy, Johanna Etcheverry, Jean-Baptiste Ganne, Thomas Guillement, Jeremy Guinoiseau, Jakob Gautel, Julian Gomez, Julio, Bafetimbi Gomis, Cari Gonzales, Jacques Halbert, Aziz Le Boubennec, Nathan Lopez, Flore Martin, MKNM, Arthur Mayadoux, Vanessa Morisset, Jonathan Naas, Laetitia Platillero, Davis Pons, Hubert Renard, Julien Roux, Pauline Sejourne, Louise Siffert, Paul Souvirion, Bénédicte Thoraval, Laurent Tixador, Rebecca Topakian, Mathieu Tremblin, Philémon Varnolé, Thierry Verbeke, Sylvie Vojik, Kelly Weiss, Lina Zegrani
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dector & dupuy concert – récit
Jeudi 05 avril
concert à 18:30
Michel Dector, Yohann Picot, Claire Coste
récit « Derniers développements dans l’affaire Pouchain » Michel Dupuy
En collaboration avec l’ESAD •Grenoble •Valence
Avec le soutien du département de la Drôme « résidence et création 2018 ».
Image extraite de la vidéo de la lecture de Michel Dupuy « Derniers développements dans l’affaire Pouchain », jeudi 5 avril.
Image extraite de la vidéo du concert , 5 avril avec Michel Dector, Claire Coste et Yohann Picot.
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dector & dupuy mosaïq
23.03 – 05.04
du mercredi au samedi de 14h à 18h.
Avec le soutien du département de la Drôme « résidence et création 2018 ».
A l’invitation d’art3, nous assurons la programmation de ce début d’année.
A la suite de premiers repérages, nous allons d’abord présenter à partir du 22 mars mosaïq, une pièce murale, sorte de négatif de la dégradation d’une décoration en mosaïque du boulevard du Général de Gaulle.
Nous avons également souhaité ouvrir notre duo à plusieurs formes de collaborations :
– lors du finissage de l’exposition, un concert présentera une composition musicale utilisant l’installation comme une partition,
– des envois réguliers d’images assureront une présence continue et susciteront des réactions sous forme de textes ou de photos,
– deux artistes ont été invités à envisager ensuite une collaboration avec nous,
– d’autres relations enfin seront tissées avec une enseignante et des étudiants de l’Esad de Valence, avec un professeur de philosophie, etc…
A la suite de premiers repérages, nous allons d’abord présenter à partir du 22 mars mosaïq, une pièce murale, sorte de négatif de la dégradation d’une décoration en mosaïque du boulevard du Général de Gaulle.
Nous avons également souhaité ouvrir notre duo à plusieurs formes de collaborations :
– lors du finissage de l’exposition, un concert présentera une composition musicale utilisant l’installation comme une partition,
– des envois réguliers d’images assureront une présence continue et susciteront des réactions sous forme de textes ou de photos,
– deux artistes ont été invités à envisager ensuite une collaboration avec nous,
– d’autres relations enfin seront tissées avec une enseignante et des étudiants de l’Esad de Valence, avec un professeur de philosophie, etc…
L’exposition mosaïq.
L’eau manque en Afrique
Les hirondelles ne boivent pas assez pour traverser le Sahara.
Celles qui arrivent ne peuvent plus se nourrir à cause des insecticides.
Il n’y a plus d’hirondelles.
Il n’y a plus qu’une trame :
un espace vide avec quelques carreaux de mosaïque manquants
Ce n’est pas une restauration qui retiendrait le temps
C’est l’enregistrement d’un état transitoire
l’absence de pérennité
C’est un constat en forme de fac-similé inversé.
L’eau manque en Afrique
Les hirondelles ne boivent pas assez pour traverser le Sahara.
Celles qui arrivent ne peuvent plus se nourrir à cause des insecticides.
Il n’y a plus d’hirondelles.
Il n’y a plus qu’une trame :
un espace vide avec quelques carreaux de mosaïque manquants
Ce n’est pas une restauration qui retiendrait le temps
C’est l’enregistrement d’un état transitoire
l’absence de pérennité
C’est un constat en forme de fac-similé inversé.
dector & dupuy, mosaïq, art3, 2018. Photos Thierry Chassepoux.
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dector & dupuy
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- Arles / Bord du Rhône /09/06/2018 Affaire Milka / Bourg-lès-Valence/décembre 2001 (michel dector). L’affaire milka.fr est un conflit qui a opposé la couturière Milka B. de Bourg-lès-Valence, à la multinationale américaine Kraft Foods, concernant l’attribution de la propriété du nom de domaine« milka.fr », conformément au droit des marques en France. En effet, en décembre 2001, Madame Milka Budimir s’était vu offrir comme cadeau de Noël par ses enfants le nom de domaine milka.fr, en tant que vitrine de son activité de couture. Le géant de l’alimentaire Kraft Foods, propriétaire du chocolat Milka, a alors rapidement fait pression sur la couturière pour qu’elle abandonne la propriété de milka.fr. Le 14 mars 2005, au bout de trois ans de ce que MmeB. a qualifié en substance d’acharnement judiciaire et de harcèlements divers, cette affaire a trouvé son épilogue. Bien que l’adresse milka.fr ait été obtenue de manière légale et légitime, et que le site afférant ne nuise aucunement au chocolat Milka, un tribunal français a ordonné de céder la propriété du site internet milka.fr à la multinationale américaine Kraft Foods propriétaire de la marque de chocolat Milka. Le tribunal de grande instance de Nanterre (choisi par Kraft pour sa réputation d’accorder des dommages et intérêts élevés)a en effet estimé qu’« en réservant et utilisant le nom de domaine milka.fr, Mme Milka B. a fait un emploi injustifié des marques dénominatives Milka dont la société Kraft Foods est propriétaire ». De plus, le tribunal de Nanterre n’a relevé « aucune faute de Kraft Foods dans l’utilisation du nom Milka qui existait bien avant la naissance de Mme B. ». L’avocat de Milka B. a alors déclaré : « le droit des marques l’emporte sur le droit de la personne, les prologos diront bravo et les no-logo seront déçus ». Maître Eolas, quant à lui, a affirmé qu’« il s'[agissait] donc d’une décision conforme au droit des marques, dont on peut regretter qu’elle ait dû être prononcée, ce genre de litige étant absurde et dérisoire, et devant idéalement se résoudre par la négociation». Finalement, en avril 2006, Milka B. a définitivement perdu contre Kraft Foods devant la cour d’appel de Versailles. L’usage de la couleur violette sur le site milka.fr semblant avoir été décisif.
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- Valence/nuit/24/01/2018 (michel dector)
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- Faventines revival. (kelly weiss).
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- Apparition du 5 avril 2018/ Pizzeria de la Pierre. Valence ( encore visible ). (michel dector).
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- Siège de bus, Valence. (michel dector).
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- Guérilla urbaine. Autoroute du Sud, Valence. Une variante consiste à utiliser ensemble deux réactifs hypergoliques : la bouteille est ainsi remplie d’un des réactifs, tandis que le chiffon sera imbibé de l’autre. L’avantage majeur étant qu’il n’est dans ce cas pas nécessaire d’enflammer le chiffon : la réaction chimique qui découle du mélange des deux substances se traduit par une violente explosion. Cette méthode reste néanmoins très peu employée, du fait de la dangerosité de la préparation et de la manipulation d’un tel projectile (Wikipédia).(michel dector)
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- Guérilla urbaine. Sauvés de la balayeuse de voirie par les anfractuosités du sol. Place Aristide Briand, Valence. (michel dector).
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- Sol végétalisé, Grenoble (claire coste)
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- nuage sous un volet (kelly weiss)
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- La voix d’Auchan. (michel dector)
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- Rue d’Athènes. Valence. (michel dector)
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- Fatigue rue Faventines. (kelly weiss)
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- L’oiseau d’or. Rue du Palais. Valence. (michel dector)
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- Trois temps. Place Saint Jean, Valence Ancien parti communiste français. (kelly weiss)
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- Action shopping. Gestes, actions du consommateur sur vitrine. Poussière et mains grasses.Vue extérieure – vitrine Camaïeu – rue Emile Augier, Valence. (claire coste)
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- Portrait profil encadré. Place de la République. Couloir de bus. Arrêt « République ». (claire coste)
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- Option. Mobilier urbain option Anti-Skate. Boulevard Maurice Clerc. (michel dector)
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- C’est quand ça manque que ça peut arriver. Rue du Jeu de Paume. (michel dupuy)
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- Rebel. Sur une hirondelle de la mosaïque du Boulevard du Général de Gaulle à Valence. (michel dector)
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- Déteint au lavage, rue des Etables, Valence (kelly weiss)
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- 50% mâchouillé. 3 rue Gutenberg. Valence (michel dector).
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- Babel-émeri . Valence, mars 2018 (michel dector).
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- Bar PMU du Carrefour – Rue Pont du Gat, Valence, Mur de l’immeuble d’en face. (kelly weiss).
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- Noir silex. A Valence, la nuit, certaines flaques ressemblent à des pointes de flèches préhistoriques qu’on peut voir au musée. (michel dupuy)
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- Physiologie végétale, 37 rue Berthelot. Valence. C’est dans une tour de 28 mètres, installée dans les potagers de l’ancien château de Meudon que Marcellin Berthelot étudie l’effet de l’altitude sur le potentiel électrique des plantes soumises à différentes hauteurs. (michel dector)
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- Le vent. (michel dector)
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- noir & blanc. Valence, 24/01/2018. (michel dector)
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- …« Le noir en déco : très rare sur les murs, il est plus souvent utilisé pour le mobilier moderne et design. Il permet aussi de provoquer des contrastes et de mettre en valeur les couleurs qui prennent place à ses côtés »…( marie-claire maison, 13/06/2017).
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- Photo prise rue Hôtel Colbert Paris 5ème 28/01/2018 – Claire Coste
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- LA tout.e seul.e sur un mur à Valence en janvier 2018 (michel dector) Petit Robert: n.f. : 14494 n.m. : 19000
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- 1 – éclipse. 2 – révolutions, Angle de la rue Madier de Montjau et de la rue Juiverie (michel dupuy)
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- Le tigre . Rue Honoré de Balzac. Valence. (Michel Dector) Le lord aimait beaucoup cet enfant: son tigre était une curiosité, personne à Londres n’avait de tigre si petit ( Balzac, La Maison Nucingen, 1838, p. 607 Cnrtl).
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- Valence. 23 janvier 2018 (michel dector).
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- Cette plaque a été brisée, puis recollée. Sur les quatre vis qui la maintenaient, il n’en reste plus que deux. L’un des trous (en haut à gauche) a disparu. Une restauration peinte a été faite sur la lettre E du mot SCELLER : on peut voir que la couleur est légèrement plus claire et plus rosée.
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- Une autre intervention a eu lieu sur la première lettre du nom du maire d’Itchevan. Le bas de la première lettre a été repeint pour restaurer la lettre C. Mais c’est un G qui aurait dû être restauré : le nom du maire est ARMEN GOULARIAN. La trace de la barre du G est encore bien visible dans le ciment qui a servi à restaurer la plaque. (michel dupuy)
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- #verre du Rhône #repérage art3 # Valence. (michel dector).
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- Sur la digue entre le port de l’Epervière et la ville de Valence. Les lichens semblent tracer une inscription : HOME. Drôle d’endroit pour parler de son chez-soi. Pourtant une fois qu’on la vu, difficile de lire autre chose. (michel dupuy).
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- Photo 2 : Presqu’en face, sur l’autre berge, les restes d’un feu de camp. (michel dector).
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- Photo 1: Sur la berge du Rhône, côté Guilherand-Granges, « La flamme de la résistance ne s’est pas éteinte et ne s’éteindra jamais », sculpture de Robert Marion.
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- Ramassé sur le Pont des lônes et déposé sur la grille d’un édicule en face du CNR au Port de l’Épervière en face de CNR mercredi 28/11. (michel dector).
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