Grizzlo’s visions 2011-ongoing, installation, projection diapositive/dianégative, extrait

Dog’s Damages 2003-2011, installation de 5 projections diapositive/dianégative, 400 slides LUFF Lausanne Underground Music and Film Festival, Création 2011

La pratique de la sculpture m’a amené à la photographie (et plus largement
aux « imageurs », film, scanner, image trouvée, internet, camera, etc.).
Tout bien considéré, faire des photographies ne manque pas d’attrait dans le
genre discret et répétitif. Avec les photographies je fabrique des histoires. Il y est
question de l’ivresse d’arpenter les marges du monde moderne et de personnages
imaginaires traversant l’espace et le temps sans contrainte.
—
«C’est de la photographie : il y a de la lumière, de la gélatine qui réagit, le
travail du temps, des sujets très photographiques comme la rue, l’architecture,
les déchets et les gens, les photos d’amis en groupe. On s’en fout.
On dirait que les photographies n’ont pas de bord. Les cadrages ne montrent pas
forcément un sujet. La photographie-même et son sujet se mélangent. L’objet de
l’image et l’image se mélangent.
On reconnaît des choses ; ça n’arrête pas.»
Marie-Luce Ruffieux, Octobre 2011

Sébastien Leseigneur est né à Grasse en 1984. Il vit et travaille à Lausanne Suisse.
www.digirecords.biz

Formation
2008–10 Master of art HES-SO en Arts visuels (European art ensemble), Ecole cantonale d’art de Lausanne (ECAL)
2003–08 Diplôme national supérieur d’expression plastique (DNSEP), Ecole Nationale supérieure des Beaux Arts de Lyon, (ENSBA)
2006–07 Departement sculpture, Helsinki academy of fine art, (KUVA)
Expositions personnelles (sélection)
2012 Set Sen, Institut français/Kunststiftung Baden-Württemberg, Stuttgart
Grizzlo, OÙ, Marseille France
2011 Dog’s damages 2003-2011, Lausanne Underground Film and Music Festival (LUFF), Lausanne Suisse

Expositions collectives (sélection)
2012 Sociologie, anthropologie, géographie, histoire, qu’il est vaste le champs cognitif jusqu’à toi mon amour, Piano nobile, Genève Suisse
La traversée de l’axolotl, Galeria Metropolitana, Santiago du Chili
2011 Stock Exchange, Atelier/Studio DREIECK, Wien Autriche
Minoterie IV, Orbe Suisse
квартирник2, chez Johanna Di Dio, Genève Suisse
Frédéric Sanchez, commissariat Hubert Besacier, Maison de la Culture d’Amiens France
2010 Nulle part est un endroit, commissariat Pascal Beausse, Centre Photographique d’Ile-de-France, Pontault-Combault France
Round Robin, commissariat Frédéric Sanchez, Dijon France
J.Bendjama, S.Leseigneur, B. Lovay, J. Pfister, CIRCUIT, Lausanne Suisse
36 vues du mont Fuji, avec Jacob Bendjama, Café du Simplon, Lausanne Suisse
Sommerrundgang 2010, Kunstakademie, Düsseldorf Allemagne
Portrait de l’artiste en motocycliste, Collection d’Olivier Mosset, Musée de Beaux Arts, La Chaux-de-Fonds Suisse
Concours de Monuments II, La tournée mondiale, commissariat E.Turpin & K.Solomoukha, ENSA Espace Callot/Paris-Malaquais France
Performance en collaboration avec Tris Vonna Michell, galerie 1m3, Lausanne Suisse
2009 During Our Lives, We Spend 6 Years Dreaming, Théâtre Arsenic, Lausanne Suisse
Le jour d’après, la Dépendance, Renens Suisse
Les enfants du sabbat 10, Centre d’art contemporain, Thiers France
2008 Hiroshima art project, commissariat Yukinori Yanagi, Hiroshima Japon
2007 illalla! Välivuosi gallery, Helsinki Finland
2006 Un jour viendra, Mapra, Lyon France

La résidence bénéficie du soutien de la Région Rhône-Alpes, du Ministère des Relations Internationales du Québec et du Consulat général de France à Québec.

Je déploie mon travail comme un chantier de construction permanent. Mon atelier est l’espace public que j’investis sous de multiples formes. De micro dispositifs bricolés, aux constructions monumentales, des actions sportives burlesques réalisées dans les rues, à la fabrication de T.U.B (Tout Un Bazar – réplique en bois à l’échelle 1 d’une camionnette Citroën), les oeuvres protéiformes s’inscrivent dans notre paysage urbain et dans l’architecture pour en détourner le sens et la perception. Elles provoquent subrepticement notre regard, perturbent avec force et humour notre vision. Failles dans la réalité où s’engouffre notre imaginaire, elles nous propulsent dans un univers fantastique, absurde, poétique et jubilatoire. Avant de mettre en place ces travaux je dessine beaucoup. Cette approche est une phase d’enregistrement, me permettant d’appréhender le lieu.
Ancien étudiant en architecture, je me suis libéré de la contrainte technique trop rigoureuse du bâtiment en travaillant à partir de matériaux simples n’ayant rien à voir avec la construction, qui permettent d’investir les lieux sous des modalités à chaque fois différentes. S’appuyant sur une observation contextuelle du lieu qui me reçoit, j’habille les lieux, les couvre, les maquille. Mon travail tente de mettre sur une même ligne de lecture des lieux ou des éléments que rien n’amènerait à se faire rencontrer, une collision spatiale.
Depuis 2001, des résidences successives m’ont permis d’élaborer des projets au sein d’agglomérations d’envergures différentes. À partir de singularités ou d’incongruités formelles, historiques que je relève, je les raccorde à d’autres lieux croisés ou à mon histoire personnelle.
Laurent Pernel
www.pernel.net

Image tirée du livret, Les anarchistes, La plate forme, Dunkerque, 2011.
Glasnost-3: Espace Vallès. St-Martin-d’Hères, 2009
Façade1, Gezichtwerpen. Galerie Roger Tator, 2005

http://www.laurevigna.com

Vue de l’exposition Inhalation au Gedok, Stuttgart

http://www.krystyna-poltowicz.com

EDUCATION

2007
- Post Diploma Art & Design & Research, City of Design, Saint-Etienne
2006
- MFA National School of Fine Arts, Lyon
2005
- School of Visual Arts, La Cambre, Brussels
2000
- BA Fine Arts, Cracow

EXHIBITIONS

2010
- ‘Inhalation’, Gedok, Stuttgart, (solo exhibition)
- ‘La Fièvre Blanche’, Pracownia Otwarta, Cracow, (solo exhibition)
2009
- ‘Superflou’, Roger Tator, Lyon
- ‘Who’s afraid of Design?‘, City of Design, Saint-Etienne
2008
- ‘Exposition de Noël‘, Magasin, Grenoble
- ‘Horizon d’attente‘, Art3, Valence
2007
- ‘Anonymous drawings 6’, Blutenweiss, Berlin

RESIDENCES

2010
- French Institute, Stuttgart
2009 /11
- ADERA, Lyon

La résidence bénéficie du soutien de la Région Rhône-Alpes, du Ministère des Relations Internationales du Québec et du Consulat général de France à Québec.

Exposition de Anne-Lise Seusse
à Vu, Québec
du 25 mars au 24 avril 2011

http://vuphoto.org/fr

Manuel, 2009

Originaire de Lyon, Anne-Lise Seusse produit un travail photographique autour de la question du territoire, s’intéressant particulièrement au micro-phénomène de ritualisation de certains espaces à travers la pratique d’activités de loisirs. La création de ces communautés singulières – un groupe de retraités pratiquant le ball trap, des free riders descendant une zone militarisée – génèrent des situations qui vont parfois à l’encontre de l’organisation « politique » de ces sites. Le travail de reportage de l’artiste opère dans ces zones de glissement et de confrontation.

Yann (2009), Constantin (2009), Matelat (2009)

Résidence de recherche et de production en partenariat avec l’Institut français de Stuttgart.
La résidence est soutenue par la Région Rhône-Alpes et le Land Bade-Wurtemberg.
en partenariat avec Moly-Sabata résidences artistiques – Fondation Albert Gleizes

Lieux de résidence : art3 Valence, Moly-Sabata, Sablons.

Gabriela Oberkofler, artiste allemande a développé une iconographie inspirée de traditions du Tyrol qu’elle associe, selon ses projets, à un environnement immédiat. A travers son quotidien, elle s’emploie à dessiner des situations observées, des souvenirs se rapportant à son enfance, ou à collecter des objets, des traces pour recréer un monde dans lequel les lois de la nature, les régles qui organisent la société sont convoquées. Axée sur le dessin, sa pratique déploie différents supports (photographie, vidéo), qu’elle peut associer dans l’espace d’exposition pour proposer un ensemble qui constitue un univers intime, coloré et poétique dont l’artiste est au centre.

Dans le cadre de la résidence, Gabriela Oberkofler accumule divers matériaux mettant l’accent sur la question de la maison, de l’habitation, de son monde qu’elle peut transporter avec elle.
Le temps de résidence sera suivi du temps de la restitution en 2011 à art3, l’ exposition sera accompagnée d’une édition.

Vues de l’exposition « +6″, Shortlist, Columbus Art Foundation, Leipzig, 2010

Buggellkraxen réalisé dans le cadre de la résidence

Gabriela Oberkofler
Née en 1975 à Bolzano
Elle vit et travaille à Stuttgart.

Etudes et formation
1997–1998 University of Visual Arts in Corner Brook, Neufundland
1998–2002 Studium an der FH für Kunsttherapie in Nürtingen
depuis 2002 Etudes à Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart avec les Professeurs Werner Pokorny, P
Micha Ullman, Markus Ambach et Rainer Ganahl

Expositions depuis 2006 :

2009 Local to Local, WG, Künstlerclub Malkasten, Düsseldorf
bildschön. Schönheitskult in der aktuellen Kunst, Städtische Galerie Karlsruhe
broken tales, Shanghai Theatre Academy, Shanghai
Blumenstücke, Schloß Filseck, Kunsthalle Göppingen
Säen und Jäten, Volkskultur in der zeitgenössischen Kunst, Städtische Galerie Ravensburg
Büyükada Resort Residence, Local to Local, Prinzen-Insel, Istanbul
Blut im Schuh, Hospitalhof Stuttgart
atelierforum, Local to Local, Museion Bozen
2008 Nachbarschaft, Startergalerie, Posnan, Pologne
Lack for you, PLAY IT, Stadtbücherei, Stuttgart
3+2=4, DG, München
Local to Local, Galerie Im Heppächer, Esslingen
Local to Local, Institut für alpine Angelegenheiten, Parallel Event Manifesta 7, Flaas – Jenesien, Südtirol, Italie
Saar Ferngas, Junge Kunst 2008/09, Pfalzgalerie Kaiserslautern, Stadtgalerie Saarbrücken, Galerie Schlassgoart Luxembourg, Kunstverein Ludwigshafen
2007 Grosse Kunstausstellung, Haus der Kunst, Münich
Alpenglühen, Kunstverein Wilhelmshöhe, Ettlingen
Kunst bewegt, Künstlerbund Baden Württemberg, Neckarsulm
Kunst bewegt, Preisträgerausstellung (zusammen mit Franz Bernhard), Kunstverein Neckar-Odenwald, Mosbach
Local to Local, Open Space Bae, Busan, Südkorea
Two days only, fruit and flower deli, New York
2006 We love to entertain you, Städtische Galerie Villingen Schwenningen
Spektakel Stadt, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart

Prix et bourses:

2009 Atelier logement à la Kulturstiftung Rhein Neckar e. V.
2007 Prix de l’Association des artistes du Baden Württemberg
Fondateur du projet collectif « Local to Local »
2006 Prix de l’Académie pour « Museum für sedimentierte Kunst »
Prix des Amis de l’Académie pour « Museum für sedimentierte Kunst »

Fabienne Ballandras a bénéficié de la résidence de recherche et de production soutenues par la Région Rhône-Alpes et le Land du Bade-Wurtemberg, en partenariat avec l’Institut français de Stuttgart.

Sentimentale intellekuelle, 2010
textes : Anne Giffon-Selle et Florence Meyssonier
français, allemand, anglais
91p., ill. coul. ; n&b ; 25 x 17,5 cm
éd. Institut français de Stuttgart
15 euros

Les photographies de Fabienne Ballandras constatent autant qu’elles anticipent un état du monde. Par leur jeu d’échelle et leurs matériaux en trompe l’œil, ces constructions très élaborées laissent deviner une mystification ludique qui sait garder le regard de tout moralisme. Son travail oscille donc toujours entre deux états, entre archétype et stéréotype, entre simulacre et réalité, entre gravité du propos et facétie de l’illusion . (extrait du texte de Anne Giffon Selle).
Le projet « Intellectuelle sentimentale » réalisé à Stuttgart organise diverses productions autour l’histoire de la Fraction armée Rouge et de la prison de Stammheim. Une mise en perspective de l’engagement politique des années 70 et une réflexion sur l’espace carcéral aujourd’hui aboutit à un travail de reproductions de cellules d’après des descriptions de prisonniers. L’ensemble du projet est exposé à Stuttgart du 23 octobre au 9 novembre à Oberwelt.

photographies de maquette d’après la description d’un prisonnier, dessin d’après les décors du film Baader Meinhof complex (série de 6 dessins), peinture d’après le même film (série de 6) et 3 images extraites d’une videéo de drapeaux qui flottent en laissant apparaître une phrase slogan reprise par la gauche allemande des années 70.

Fabienne Ballandras
Née en 1969, elle vit et travaille à Lyon.
fabienneballandras@free.fr

2009
Sentimentale Intellektuelle, Obervelt, Stuttgart
2008
Exposition de Noël, Ancien musée de peinture, le Magasin, Grenoble
2007
Transfert d’activités, Agora tête d’or, Lyon.
2006
Rose bitume, La Halle, Pont en Royans
sur les traces des dioxines, Festival des jardins de rue, Lyon 8ème
2004
Festival des jardins de rue, Lyon 8ème (en collaboration avec Laurent Perche (architecte)
une autre rue, cité scolaire Sembat Seguin, Vénissieux
2003
superluxe, Galerie Roger Tator, Lyon 2002
mondes parallèles, exposition collective Espace d’Arts Plastiques, Vénissieux
1999
où la là, Drac Rhône Alpes, Lyon
les catastrophes, vitrine extérieure, Lyon
Le 8 décembre sous le ciel du 7ème, Galerie Roger Tator, Lyon
1997
Exposition au Groupe d’art contemporain, Annonay
Exposition à l’IFAH, Eyzin Pinet 1996
juste à coté de la plaque, Galerie Roger Tator, Lyon
moly sabata 96, Exposition Galerie BF15, Lyon 1995
Critiques/critique, Cité de l’image, Lyon

Résidences
2009 Résidence Art 3, Institut Français, Stuttgart.
1996 Résidence Moly Sabata, Fondation Albert Gleizes, Sablons

Le projet Refiguration drômoise est une résidence de recherche et de production qui permet de développer des propositions artistiques liées à des questions de territoire à l ‘échelle de la région Rhône-Alpes. Maurizio Cilli a débuté sa recherche fin 2008 qu’il a orienté dans la Drôme des Collines en étudiant particulièrement le Palais Idéal du facteur Cheval à Hauterives.
Les différents séjours qui ont eu lieu depuis février 2009, lui ont permis de préciser sa recherche qui aboutira au printemps 2011 par une restitution en trois lieux.
Maurizio Cilli, architecte de formation associe sa démarche aux outils théoriques de Paul Ricœur. À partir du monument singulier de Cheval, Maurizio Cilli travaille sur le territoire de la Drôme des collines (son histoire, sa géographie, sa géologie). À l’image d’un diagramme, il souhaite créer un réseau non seulement dans les pistes possibles que revêt sa recherche mais dans les structures qui vont accueillir les différentes phases du projet.

Les différentes étapes de la Refiguration drômoise. Trois phases du projet basées sur des analyses et des idées du philosophe valentinois.
Phase de préfiguration : la recherche, la constitution « d’un fonds » bibliographiques et iconographiques, qui permet une connaissance plus immédiate du territoire.
phase de configuration : Organisation d’une série d’actions qui mettent en place un jeu interprétatif de la construction de la mémoire dans lesquelles intervient l’acte de » mettre en récit ».
phase de refiguration : actions de restitution de l‘ensemble des éléments qui composent le projet

Hauterives, Monument du Palais Idéal
- « Réécrire le Palais idéal » consiste en une installation du dispositif bluetooth dans le jardin du Palais Idéal à Hauterives. Ce dispositif s’adresse aux visiteurs du monument de Cheval. À partir de leur téléphone portable, ils peuvent recevoir des textes écrits par Maurizio Cilli à l’instar des textes écrits par Cheval, qui rendent comptent des rapprochements, des mises en lien entre le contexte de la création du monument et son environnement, son contexte historique et géographique comme de son actualisation.

Valence, art3
- L’exposition à art3 présente des indices de la manière dont Maurizio Cilli à penser la globalité du projet par des interventions minimales dans l’espace d’exposition. Composé de photographies, de dessins, de diagrammes et collages, des collections bibliographiques et iconographiques, il s’agit d’entrer dans un espace dédié à la recherche comme un espace construit et poétique.

Romans
- Conception et installation d’une œuvre symbolique qui participe à la construction de la mémoire identitaire de la Drôme.

Les partenaires du projet :
- Le Conseil régional Rhône-Alpes
- La Région Piémont
- le département de la Drôme (aide à la création)
- La Ville de Hauterives

La résidence bénéficie du soutien de la Région Rhône-Alpes, du Ministère des Relations Internationales du Québec et du Consulat général de France à Québec.

Exposition du 12 février au 19 mars.
NEON 41 rue Burdeau 69001 Lyon
www.chezneon.fr

vues d’exposition Le bain, 2010 (film 16mm numérisé, couleur, son, 22 min); Les enfants, 2011 (séquence HD, couleur, silence, 13 min) vue d’exposition © Olivia Boudreau / Néon 2011.

édition art 3 Valence – entretien Olivia Boudreau/ SylvieVojik
vue d’exposition © Jean-Alain Corre / Néon 2011.

Olivia Boudreau a bénéficié de la résidence de recherche jeune création, initiée par art3 Valence et Optica, un centre d’art à Montréal, un programme soutenu par la Région Rhône-Alpes, le ministère des relations internationales à Québec et du Consulat général de France à Montréal.
En partenariat avec Moly-Sabata residences artistiques – Fondation Albert Gleizes.

extrait de la vidéo Le mur (2010)

Artiste de la performance et de la vidéo, sa recherche traite du corps, de l’intime, de l’érotisme, de l’animalité, de l’absence et du quotidien.
Par des séquences vidéo de longue durée, elle s’intéresse à l’expérience du corps et de la perception des images. Son travail a été remarqué lors de plusieurs expositions récentes, tel qu’à Dazibao, chez Optica, à la Galerie Leonard et Bina Ellen, à la SBC Gallery ainsi qu’à la Galerie UQAM.
Titulaire d’une maîtrise en Arts Visuels et Médiatiques de l’UQAM où elle a obtenu la bourse Pierre Amyot, elle est actuellement résidente des Ateliers de création de la Fonderie Darling.

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Cet entretien a été réalisé à l’occasion de l’exposition de Olivia Boudreau chez Néon.
Sylvie Vojik : Pour commencer l’entretien, je souhaitais que tu reviennes sur ton séjour entre Valence et Sablons, sur ce temps avec lequel il a fallu que tu vives, que tu travailles, que tu cherches. Lors de notre rencontre à Montréal, tu mentionnait des projets que tu avais envie de réaliser en prenant bien en compte ce temps de résidence pour les mettre à l’épreuve de cette « réalité ». As-tu pensé à un moment à ne rien réaliser ?

Olivia Boudreau : Pour répondre franchement, j’ai vécu la résidence dans la peur de ne rien réaliser. Comme tu le mentionnes, la résidence arrivait à un certain moment de ma pratique où je sentais qu’il fallait que j’opère un passage dans ma manière de travailler, de filmer. Je voulais laisser mon regard se poser sur mon environnement direct et travailler à partir de cela; ne pas rentrer dans un mode de production de ce qui aurait été réalisé avant même d’y être. Cependant, au fond de moi, il y avait une petite voix qui me disait : et si rien ne se « passe » ? Parce que les projets sont souvent le résultat de travail bien sûr, mais aussi de quelque chose d’un peu imprévisible qui se met en place sans que je puisse le contrôler. Je suis donc arrivé en résidence en me donnant cette consigne de laisser venir à moi les images que je tournerais. Le résultat fut une panique un peu constante avec laquelle je me suis débattue pendant 3 mois. J’ai dû me débattre avec le sentiment de devoir avancer, de devoir produire, de mettre à profit ce temps de résidence. À peine rentrée, je ne sais toujours pas si j’ai « produit ». Ça prend souvent plusieurs mois, voire quelques années, avant que je puisse visionner les séquences en me disant : c’est une oeuvre et ça tient tout seul. Entre temps, je lutte avec elles, avec leurs imperfections, ce que j’aurais pu contrôler, prévoir au tournage, penser plus en amont, etc. Dans un sens, je ne sais pas si j’ai réalisé quelque chose au cours de ma résidence à art3. Par contre, je peux dire que j’ai avancé. Ne serait-ce que parce que j’ai tenté de me maintenir au-delà de ce que je peux et ne peux pas réaliser. Je voulais m’accorder de la liberté. Toujours en lutte, je n’étais finalement pas très libre, mais j’ai compris cet état et la place qu’il prend dans la dynamique du travail. Peut-être que la prochaine fois, le défi serait justement de ne rien réaliser en gardant en tête que les « résultats » vont se concrétiser progressivement au cours des deux prochaines années. Je sais que cette résidence a fait sa marque dans le parcours et que je n’ai pas fini d’en observer des manifestations dans le travail à venir.

S.V. : Il me semble, pour illustrer tes propos, que cette inquiétude a été moteur dans la réalisation de nouveaux projets, nouveau est ici utilisé pour indiquer que tu t’es autorisée à expérimenter, à tirer des fils dans ton travail comme le fait de passer de l’autre côté de la caméra et de filmer ce qui t’entourait. De ce côté « inspirant » du contexte, tu as filmé à l’extérieur, c’est cet extérieur qui a produit une action comme dans le film la chute où tu filmes des feuilles d’un arbre qui tombent sous l’action du vent et apparaît en fond un ciel changeant, très dense. Il me semble que ce n’est pas un hasard si tu as commencé par cela, cette expérience d’être là.

O.B. : Exactement. D’autant plus que le projet m’est venu suite à cette première journée à Moly-Sabata où je me suis retrouvée toute seule dans cette espèce de grand espace qui s’activait de lui-même. Je me souviens que ce jour-là, je suis demeurée pendant des heures assise dans le jardin, en plein entre les deux platanes qui sont dans la séquence. J’entendais les feuilles qui tombaient à grand bruit et ça me sidérait d’être témoin de ce moment très circonscrit de la saison. Effectivement, l’exercice est très basique. Et, bien que je ne sache pas ce que j’en ferai finalement, ça marque très clairement le désir que j’avais de changer d’attitude dans le geste de filmer

extrait de Les petits (vidéo 2011)

S.V. : Pour moi, il y a un cheminement que tu as réalisé dans ces trois projets de films. À la suite de la chute, tu enchaînes avec un projet où la décision de filmer se complexifie. Tu crées d’autres conditions de tournage en disposant un drap blanc entre deux arbres qui occupe la quasi totalité du cadre et qui est à certains moments bousculé par le vent le faisant sortir du cadre. Ce qui apparaît derrière ce drap blanc qui se soulève pour disparaître est un mur gris en pierres, un écran gris derrière un écran blanc. Un mélange de matérialité, de surfaces voire de couches. Comment as-tu préparé ce travail ? que souhaitais-tu obtenir ?

O.B. : Je portais depuis longtemps l’idée d’un projet avec un drap. Plus précisément, je réfléchissais au geste de faire le lit : d’un coup sec on lance le drap dans les airs pour qu’il recouvre toute la surface du lit. J’avais cette image en tête depuis 2 ou 3 ans sans réussir à lui trouver une forme satisfaisante. Lors de la résidence, je suis tombée sur ce drap qui est bordé d’une fine ligne bleue. Je le trouvais beau et j’ai voulu le mettre en scène. Je me suis donc retournée vers les deux platanes entre lesquels il y a une corde à linge. Ça aussi c’était basique. Cependant, je me suis rendu compte que derrière le drap, il pouvait y avoir le mur et qu’une fois le drap suspendu, le vent se chargeait de faire dialoguer les deux surfaces. Ce dialogue entre le drap et le mur se fait de manière continue sur toute la durée de la vidéo. Il y a une espèce de latence inhérente à la séquence. J’en venais donc à des questions qui habitent mon travail depuis le début et qui ont motivé le corpus réalisé en performance : le geste de dévoiler ou non au regard, ce qui est retenu versus ce qui ne peut l’être, la surface de l’image soumise à l’expérience de la durée, etc. Ce que je trouve intéressant dans cette pièce (qui se nomme Le mur), c’est que dès le début la question n’est pas de voir ce qui est derrière le drap, mais d’être imprégné de ce mouvement, l’oscillation du drap, le passage entre les surfaces, le geste de dévoiler en lui-même pour lui-même.

S.V. : On se sent hypnotisé, marqué par la quasi immobilité du drap qui commence peu à peu son mouvement, son dialogue avec le mur. Je ne sais pas si tu as l’intention de montrer ces trois films mais il me semble que tu travailles à partir de cycles. Tu viens de faire référence au geste de dévoilement dans tes films dans lesquels la présence humaine et animale sont conditionnée par des cycles de temps comme Box (2009) où tu filmes un cheval dans son box pendant 24 heures, la Levée (2008) où l’on voit les jambes d’une femme qui au son d’une minuterie est plongée dans le noir. Cette minuterie au son bref rythme le film et l’action que l’on ne voit pas et on ne fait qu’imaginer le geste de cette femme ou Salle C (2007) où tu restes assise, immobile sur un banc le temps de l’ouverture de l’exposition au public. Ces séquences sont filmées et la caméra est installée derrière toi et enregistre ta présence et celle du visiteur qui entre dans la salle.
Ce sont des présences qui ne révèlent pas tout, qui se dérobent, qui entraînent notre imagination vers des espaces proches du rêve.

O.B. : Je dirais même que, parfois, ce sont des présences qui ne révèlent rien. Alors, ce sont des mises en présence, sans orientation, suspendues, en attente. La possibilité que quelque chose se révèle ou non, c’est ce qui peut se produire entre la temporalité de la séquence et celle du spectateur. La notion de cycle, qui se définit différemment pour chaque projet, devient alors une manière de retenir ce type de présence. Et puis, effectivement, l’idée de cycle se manifeste aussi dans la manière dont les projets s’engrangent les uns après les autres. Parfois ce sont des types de cadres, parfois des couleurs, parfois une idée sur le médium. J’observe maintenant que j’avance à coup de deux ou trois pièces qui s’ouvrent l’une sur l’autre. Et plus ça va, plus je constate que je fais des couples malgré moi. Des images très formelles avec d’autres plus narratives, par exemple. Comme c’est le cas avec Le mur et Les petits que j’ai mené parallèlement.

S.V. : Le troisième film tourné lors de ton séjour est Les petits. Tu filmes des enfants dans un placard dont les deux battants sont entrouverts. Tu leur as demandé de compter. Apparaissent par moment les visages des enfants. C’est assez troublant d’imaginer cette scène qui hésite entre le jeu et la punition, l’ensemble baigné d’une lumière irréelle, très forte, participe encore une fois du rêve, ou d’une image ancienne qui serait inscrite quelque part.

O.B. : C’est juste quand tu écris « une image ancienne qui serait déjà inscrite quelque part ». Les petits n’est pas réalisé sur la base d’un souvenir, mais il en a l’apparence. Le souvenir, c’est peut-être l’idée du placard qui est vaguement dans mon histoire. Quand je suis tombée sur ce petit coin dans la chambre de mon appartement à Moly, j’ai eu le sentiment de retrouver quelque chose. C’était familier, sans l’être exactement. L’idée de placer deux enfants dans ce placard est venue toute seule. Il y avait donc le désir de mettre en scène la dynamique entre deux enfants et de les placer en relation avec le regard du spectateur, un regard adulte par définition. Cette relation entre le regard adulte et la dynamique des enfants s’installe dans l’entrebâillement d’une porte. En ce sens, la séquence est aussi construite comme un mur. Plutôt qu’une surface qui se soulève, c’est une fente dans l’image qui donne accès à un autre espace. Si Le mur était un jeu de surface, je dirais que Les petits est un jeu sur l’espace, celui qui se trouve derrière la porte, derrière la surface de l’image. Pour ce qui est du rêve, c’est drôle que tu le convoques. Je n’y avais jamais pensé en ces termes là, mais je vois comment il peut s’y retrouver. Ce sont peut-être les cadrages, particulièrement l’usage du gros plan ou le jeu des couleurs et de la lumière, souvent sombre ou feutrée, qui confèrent quelque chose d’un peu irréel aux scènes que je tourne. Je ne sais pas très bien, mais je vais y penser.

S.V. : Cette image c’est aussi celle que l’on se fabrique à partir d’une culture cinématographique et littéraire. La part du « familier » dans ton travail est aussi celle convoquée chez le spectateur. Ce sont des situations vécues ou fictionnelles comme ce geste d’étendre un drap sur le lit. Ce côté domestique, l’intime, le laisser-voir ou apercevoir à la fois dans ce qui nous est montré ou qui s’échappe mais c’est aussi dans le cadre et le cadrage qui peut enfermer un sujet à observer.
L’attention que tu portes à tes projets est-elle conditionnée à une observation ? L’observation a-t-elle une place particulière dans ton processus ?

O.B. : Oui, le familier est convoqué chez le spectateur et ça passe effectivement par une culture cinématographique et littéraire. Il y a souvent quelque chose d’universel dans les images que je retiens. Je dirais plutôt qu’elles ont une préexistence et c’est ce qui m’attire vers elles, vers certains lieux, certains cadres, certains sujets. Ça nous ramène au souvenir de tout à l’heure, finalement ça tient peut-être plus à un certain imaginaire collectif. Pour ce qui est de l’observation, j’ai tendance à parler d’expérience et de regard. La rencontre des deux pourrait certainement se nommer de l’observation. L’observation c’est chercher avec les yeux, ça peut être très actif. C’est aussi prendre le temps de regarder, et là ça implique une sorte de passivité qui peut devenir une contrainte voire même un enfermement. Dans le travail, il y a ces tensions entre le passif et l’actif, la contrainte de la passivité, son activité aussi. Je pense que comme spectateur on doit négocier avec ces questions devant les oeuvres, être contraint à la passivité par la durée des séquences. Pourtant, la durée et le type d’observation qu’elle permet, ça peut aussi être une liberté. Avoir le temps de voir. Je travaille les installations pour qu’elles dégagent une certaine immuabilité, qu’elles rassurent par leur présence constante. Elles restent là. Le spectateur peut donc trouver sa place, aller et venir dans la galerie, partir et revenir de la salle d’exposition comme en lui-même. Dans un sens, les oeuvres l’attendront.

S.V. : Quels sont tes prochains projets, de travail et d’expositions ?

O.B. : Plusieurs choses, dont des projets qui ont pris forme lors de la résidence. Il y a longtemps que je veux travailler avec des bateaux, la mer et/ou la pêche. Dans les mois qui viendront, je veux réaliser une installation qui se déploie autour des mats de voiliers dans une marina et de la musique qu’ils font lorsqu’ils sont secoués par la mer. C’est très mélodique et imprévisible en même temps. Ce qui m’intéresse particulièrement, c’est l’idée que les différents voiliers sont tous secoués par un même mouvement de l’eau auquel ils réagissent en des temps différents. C’est très formel, mais ça me semble aussi très évocateur. Je veux aussi réaliser un autre film 16mm. Cette fois, c’est une petite fille sur la banquette arrière d’une voiture. Elle s’endort pendant le parcours et une fois la voiture arrivée à bon port, on la laisse dormir à l’intérieur. La séquence va fonctionner comme une boucle. La voiture repart et on recommence. La petite fille ne sort donc jamais de la voiture. Ce projet s’appelle La pêche. Une fois encore le dedans et le dehors dialoguent avec le champ et le hors- champ pour retenir quelque chose de la présence de cette enfant.
Je reviens en France pour une exposition chez Néon à Lyon. Sont présentées deux installations, dont une pièce qui se nomme Le bain. C’est un film 16 mm qui met en scène un couple dans un grand bain sur pattes. Pendant la durée de cette action (23 minutes), on assiste à la dynamique qui lie ces deux corps, physiquement dans l’espace du bain, mais aussi psychologiquement dans le dialogue qu’ils installent. En haut, il y aura une autre pièce dont je ne peux pas parler actuellement, mais qui aura été réalisé dans le cadre de ma résidence.